¡Bienvenido a mi blog sobre historia del arte!, a continuación podrás disfrutar de un viaje por el tiempo y descubriras muchas cosas interesantes sobre el arte. este blog fue realizado como trabajo final de la clase Historia del Arte II, para dar a conocer todo lo estudiado en clase, la información que encontraras aquí es una combinacion de lo aprendido en clase de historia con investigaciones personales en la web sobre los distintos artes estudiados.
En este blog encontraras información sobre movimientos específica,
tales como: renacimiento, neoclasicismo,
romanticismo, barroco, realismo, prerrafaelismo, impresionismo,
postimpresionismo, dadaísmo, expresionismo, fauvismo, modernismo, cubismo,
futurismo, surrealismo, POP ART, OP ART, postmodernismo, arte Inca, arte
Azteca, arte Maya y arte Nicaragüense.
En las
últimas dos décadas hay que ubicarlo, dentro de sus crisis históricas. En 1980
con el triunfo de la Revolución Sandinista (1979), se forma el Ministerio de
Cultura y se crea un programa destinado al rescate y difusión del patrimonio
cultural. A pesar de su situación política, floreció un desarrollo artístico
multicultural y pluralista. La mujer adquiere especial importancia en este
período; surgen las primeras instalaciones, el ensamblaje de objetos
encontrados y la escultura con medios no convencionales.
En algunos
países como en Nicaragua y Guatemala, el arte producido dentro de ese contexto
histórico, ha reflejado la situación de violencia y ha incidido en la formación
de grupos artísticos; que repudiaron una realidad que nada tenía que ver con la
historia oficial. Tal es el caso del Grupo Praxis, en Nicaragua (1963-1973).
Las
dictaduras, las intervenciones, los conflictos bélicos y los constantes
desastres naturales, han repercutido en el plano cultural. La ausencia de
instituciones culturales y de una política cultural coherente han aumentado su
desconocimiento y aislamiento. Su presencia artística y cultural en el ámbito
continental e internacional es relativamente reciente y es a partir de la
segunda mitad de los años noventa, dentro del marco de la globalización, que se
ha logrado una relativa inserción.
Sus valores
culturales, hasta hace poco tiempo, estuvieron fundamentados en el mito
identitario como “tierra de poetas”, especialmente a Nicaragua, basándose en la
trascendencia que en el nivel internacional tuvo la obra de Rubén Darío
(1867-1916), a partir del año 1888 con la publicación de “Azul”..
Uno de los
pueblos más importantes de la Mesoamerica precolombina fue el de los mayas,
cultura que se extendió por diferentes estados del México contemporáneo
-Yucatán, Campeche, Quintana Roo, Chiapas y Tabasco-, así como por otros países
centroamericanos, como Belice, Guatemala, Honduras y El Salvador.
La mayoría de
las investigaciones coinciden en señalar que los primeros mayas surgieron de la
costa del golfo de México y que luego se inició un flujo migratorio que los
llevó a expandirse, entre los años 1500 y 800 a.C, por zonas de Chiapas, la
costa de Guatemala, el Peten guatemalteco y la península de Yucatán. Como
prácticamente todos los pueblos de Mesoamérica en aquella época, uno de los
principales sustentos de la población era el cultivo de maíz.
Durante el
período preclásico, el arte de los mayas era muy parecido al de los pueblos
vecinos, como lo demuestran los restos de cerámica encontrados. No es hasta el
siglo II a.C, a finales del citado período, cuando empiezan a darse las
primeras manifestaciones artísticas netamente diferenciadas. Asimismo, en esa
época la organización social de los mayas era más compleja que la de otras
culturas mesoamericanas gracias al nacimiento de una importante clase social,
los sacerdotes, encargados del culto a los muertos. Empieza a desarrollarse,
por otro lado, una arquitectura propiamente maya y aparecen las primeras
grandes poblaciones, como Uaxactún, Piedras Negras, Izapa, Mayapán…
La época de
máximo de esplendor de la gran cultura maya se prolongó desde el siglo III
hasta el XIX, debido, sobre todo, al carácter militar de los gobiernos, poco
solícitos con las necesidades de la población, que empezó a vaciar las grandes
ciudades. De este modo, se facilitó la invasión de pueblos que portaban una
importante influencia tolteca que, durante los siglos posteriores, hasta el
definitivo fin de la cultura maya, en el siglo XV, influyó de forma importante
en el arte que se manifestó en los territorios hasta entonces dominados por los
mayas.
Pintura
Los Mayas fueron grandes pintores,
especialmente en cerámica, pero los murales en Edificios y Cuevas, fueron muy
Ink pots in Ruler's throne importantes para ellos, ellos usaron muchos tintes
vegetales y minerales para sus obras de arte, como en los Murales de San
Bartolo, los más antiguos e impresionantes descubiertos hasta ahora. con la descripción delmito Maya de la Creación, hace más de 2000 años.
El estuco fue preparado con un pegamento
orgánico extraído de un árbol endémico en Petén llamado localmente
Jolol, mezclado con cal y Sascab, en la parte interna y una mas delgada de cal
muy fina con Barita, un mineral mas fino que el sascab en la superficie, lo que
le dio una gran durabilidad al mural. Los Mayas también pintaban los Monumentos
Templos y Palacios con pintura blanca y roja. Los colores más típicos
encontrados en el arte rupestre, son el rojo y negro, la inspección visual
sugiere que el negro es derivado del carbón, aunque otros pigmentos como el
manganeso pueden haber sido usados. El rojo, (Generalmente un rojo anaranjado
provenía de arcillas ricas en hierro, que se encuentra en las mismas cuevas aunque en algunas hay hematina en el suelo
(Un rojo brillante. El Amarillo y Azul son raros al primero se ha encontrado en
la Cueva de las Pinturas en el Sur del
Petén, Guatemala. Al igual que en Tikal
y Nakúm, las cuevas Mayas también tienen
graffiti así como copias
positivas y negativas de manos y más raramente de pies. La palabra Maya tz'ib se refiere a pintura en general, incluyendo imaginería y escritura. Los artistas eran
llamados aj tz'ibob ('ellos los que
pintan'), y eran maestros calígrafos y pintores que firmaban sus trabajos. La
vasta colección de arte Maya incluye el nombre de muchos ah tz'ibob, trabajando
y al lado de sus dioses patronos. El Vaso que se muestra abajo es de un estilo
muy particular llamada Los Danzantes de Holmul. Hay muchas muestras de arte
popular en dibujos de cuevas y Graffiti
en varias ciudades Mayas. particularmente en Nakum y Tikal.
Escultura
La forma más conocida de escultura son las Estelas, que eran monolitos
de piedra con grabados de gobernantes o
dioses y textos que han ayudado a entender su cultura, La Mayor del Mudo Maya
es la Estela E de Quiriguá que pesa 65 Toneladas y mide 10.5 Mt. de Altura, y
sus grabados cubren 8 metros de ella por
tres lados. Otras formas incluyen
figurillas, dinteles de madera como en Tikal y El Zotz,, o piedra
llamados Paneles, destacando los de La Corona, Piedras
Negras y Cancuén. Los Mayas usaron mucho
Jade en sus objetos, lo que es remarcable debido a su dureza, sin embargo la
fineza de grabados y esculturas en Jade es impresionante. El escultor trabajaba
con las tradiciones locales incluso en la forma de las caras, se puede
identificar los estilos de cada región, como perspectivas, gestos, vestimentas,
y la profundidad de los grabados, lo que respetaba la tradición. Los habitantes
de Cotzumalguapa, muy cerca de Monte Alto, desarrollaron un estilo artístico
original, así como su propio estilo de escritura, que quedó plasmado en el gran
número de Esculturas Monumentales, que incluyen, Estelas, Altares, Cabezas
colosales y Esculturas tridimensionales. Además, de escaleras, pilares y
piedras de pavimento con inscripciones. También hay un gran número Cabeza Colosal, con Facciones caucásicas, de
Monte Alto, se ignora su paradero.de Escultura pequeñas, Lo Característico del Estilo de Cotzumalguapa
es su extraordinario realismo al representar figuras humanas, que en algunos
casos, se pueden considerar retratos de personas, casi seguramente, Reyes y
Nobles. En Muchos casos, éstos individuos participan en complejas escenas en
las que interactúan con otros humanos o seres sobrenaturales. Son elementos muy distintivos del estilo
de Cotzumalguapa, las viñetas de
lenguaje, representadas con granMonumento Esculpido, Cotzumalguapa variedad de
flores y frutas. Los signos
Jeroglíficos, se escriben en cartuchos circulares, pero éstos también adquieren
formas complejas de animación. El arte
escultórico Maya en las cuevas, constituye otro grupo de importancia, con
Grabados y Petroglifos, hechos por medio de incisiones, picados y cincelados,
las técnicas más comunes en la escultura, otro clase de escultura es la
tridimensional, en arcilla cruda una forma rara y frágil de arte.
Arquitectura
La gran masa
de la población maya vivía en pequeñas comunidades dispersas -pueblos, aldeas,
villorrios, caseríos- dedicada básicamente a las labores agrícolas. En los
centros ceremoniales habitaban la clase noble -señores y sacerdotes-,
funcionarios de la complicada jerarquía civil y religiosa, guerreros,
mercaderes, además de la servidumbre y probablemente artesanos especializados.
El templo maya, durante el período preclásico, fue una simple choza semejante a
la del campesino; hacia finales de este período, también denominado
protoclásico, los muros se hicieron de mampostería, aunque se conservó el techo
de paja; al iniciarse el período clásico apareció la bóveda angular, a
imitación del techo de paja y que en forma rudimentaria se había usado con
anterioridad para cubrir algunas fosas sepulcrales. El templo suele construirse
en la cima de una pirámide, copia del cerro, lugar sagrado por excelencia. Los
palacios pueden contener varias decenas de cuartos, dispuestos en algunas filas
y a veces en varios pisos; son en realidad angostas galerías divididas
transversalmente, oscuras y poco ventiladas, ya que casi siempre carecen de
aberturas o sólo tienen estrechas entradas. Se edificaron además canchas para
juegos de pelota, observatorios, arcos de triunfo, baños de vapor. Aunque en
regiones de terreno quebrado era la topografía la que determinaba la
distribución de los edificios y su orientación, había marcada tendencia a
agruparlos alrededor de plazas o patios.
Pese a ser el
templo la construcción más importante, el pueblo no tenía acceso a él. De ahí que
se sacrificara el espacio interior en provecho del aspecto exterior que debía
ser lo más imponente posible. Esta práctica llegó a tal grado, que los templos
del Petén -Tikal, en particular- coronando altísimas y empinadas pirámides,
sólo contienen minúsculos santuarios, algunos de ellos de poco más de un metro
de ancho, mientras que los muros alcanzan hasta seis y siete metros de espesor
para resistir la tremenda carga de la “crestería” maciza que se alza sobre el
techo y que sólo servía para añadir mayor superficie ornamentada a la fachada.
Esta
arquitectura de “fachada” se encuentra en otras regiones a las que llegó la
influencia del Petén. En Piedras Negras, a orillas del Usumacinta, el santuario
es también reducido a causa de la crestería, aunque lo precede un pórtico
abierto, desconocido en El Petén pero característico de Palenque, de donde debe
provenir. En una ciudad vecina de la misma región, Yaxchilán, otro elemento
palencano se halla presente: la crestería hecha de un muro calado, de peso muy
reducido, que no impone la construcción de gruesos muros y permite aumentar el
espacio interior. Sin embargo, algunos templos de Yaxchilán son de una sola
crujía en lugar de dos como es más usual, y la crestería descansa sobre el
cierre de la bóveda, parte más delgada y por lo tanto más frágil del techo, por
lo que se tuvo que añadir, dentro del templo, poco estéticos contrafuertes que
reducen y afean el espacio interior.
Palenque
presenta una arquitectura mucho más equilibrada que El Petén y la región del
Usumacinta, a una escala más humana también, y a la vez con ingeniosa
funcionalidad: techo de paramentos inclinados y aleros muy salientes con
goterones para evitar que las fuertes lluvias penetren en los edificios;
ventanales en los muros exteriores y aberturas en los paramentos centrales de
las bóvedas para mayor ventilación, fantasía y notable sentido de la
ornamentación. Los templos son casi todos pequeños, aunque siempre provistos de
un pórtico abierto, y por lo general con dos pilares que determinan tres
entradas. El pórtico comunica con el santuario y con dos pequeñas celdas
laterales; en sí mismo, el santuario constituye una pequeña estructura, con
techo y muros propios dentro del cuarto central. Debajo del piso de varios
templos se hallaron fosas sepulcrales, con una utilización secundaria, en
tiempo o en importancia, de la pirámide. Sin embargo, la gran cripta que está
situada en el interior de la pirámide que soporta al Templo de las
Inscripciones, y que contiene un extraordinario sarcófago de piedra totalmente
esculpido, está unida al templo por una escalera y forma una sola unidad
arquitectónica con la pirámide, caso hasta ahora único en la América
prehispánica. Varios estilos arquitectónicos se reconocen en el norte de
Yucatán, que corresponden al período clásico tardío (600-900 d.C), es decir,
contemporáneos del florecimiento de las ciudades del área central que se acaba
de citar. Estos estilos se designan por referencias geográficas: Río Bec
(nombre de uno de los sitios característicos del estilo, localizado en el
extremo meridional de los estados de Campeche y de Quintana Roo); Chenes
(región del noroeste de Campeche, en la cual el nombre de los pueblos con
frecuencia terminan por el vocablo “chen” que significa pozo), y Puuc (nombre
maya, equivalente a “baja serranía”, con que se conocen las líneas de colinas
en los confines de los estados de Campeche y Yucatán).
El arte
mexica o azteca incluye las manifestaciones artísticas de los mexicas, entre
los que se encuentran la literatura, la música, la arquitectura, la escultura,
la plástica y las danzas.
El pueblo
mexica fue un buen pueblo escultor ya que podían realizar esculturas de todos
los tamaños en las que plasmaban temas religiosos o de la naturaleza. Captaban
la esencia de lo que querían representar y luego realizaban sus obras con todo
detalle. En las esculturas más grandes solían representar dioses y reyes. Las
más pequeñas las utilizaban para representaciones de animales y objetos
comunes. Los mexicas utilizaron la piedra y la madera y a veces decoraban las
esculturas con pintura de colores o incrustaciones de piedras preciosas.
Arte
Plumario:
La plumería fue una de las expresiones más originales y
características de los aztecas, especialmente en la elaboración de mosaicos.
Las aves utilizadas para estos trabajos procedían de los bosques tropicales del
sur de México y Guatemala, o bien, eran criadas en cautiverio y cazadas con
técnicas refinadas que no dañaban el plumaje de la presa. Eran clasificadas de
acuerdo con el tamaño, calidad y color, siendo las más apreciadas las verdes de
quetzal (sobre todo las larguísimas caudales); las rojas del tlauquecholli,
parecido al flamenco, y las azules turquesa del xiuhtótotl.
Las
esculturas y figurillas de personas son los elementos que identifican las
creaciones plásticas del Posclásico Tardío. Son imágenes de hombres y mujeres
que expresan los ideales tanto en edad como en belleza. La etapa juvenil adulta
era considerada el momento de plenitud que garantizaba la fortaleza en la
guerra. Siendo esta edad también la de mayor actividad sexual, las esculturas
representan el paradigma social tan necesario para la supremacía imperial.
La
arquitectura religiosa se desarrolló siguiendo las pautas de la tradición
mesoamericana, aunque existen aportaciones importantes. El tipo de construcción
más original es el de los templos gemelos, con doble escalinata de acceso.
Este arte
inca, se pueden dividir en dos tipos de alfarería, la utilitaria y la
ceremonial.
La cerámica
ceremonial era enterrada con los difuntos, llenos de alimentos o bebidas que
servirían a los muertos en su camino hacia el otro mundo.
Cuando llegaron los
españoles, la alfarería inca perdió su función mágica y ceremonial y se volvió
simplemente utilitaria.
El arte en
madera de los incas quedó plasmado a través de sus "queros" o
“keros”.
Se trata de
vasos de madera con decoración policromada. Sus dimensiones son relativamente
uniformes, con una altura promedio de 20 a 22 cm.
Los keros de
la época Inca-colonial, están decorados con escenas figurativas pintadas.
Los keros más
antiguos están decorados con motivos geométricos grabados y rellenos con una
especie de pintura resinosa de tonos vivos rojos y amarillos.
Los keros
incas presentan diseños geométricos incisos o adoptan la forma de cabeza humana
o de jaguar, sin la recargada decoración policroma posterior.
Tienen una
forma cilíndrica de boca ancha abierta, paredes algo cóncavas y base plana o
con pie a modo de copas. También podían adoptar formas de cabezas humanas o de
jaguar o ser vasos con formas de animales.
Solían
utilizar colores brillantes, predominando el rojo y el crema blanquecino con
una línea negra que formaba el dibujo.
Debido al
paso del tiempo, estos queros presentan pérdidas de pintura en algunas zonas o
incluso estar resquebrajados.
La decoración
de estos elementos se basaba en escenas de la mitología andina. También
aparecen figuras humanas solas o en escenas variadas. En estas escenas, las
figuras humanas suelen representar a un Inca con su escudo y armas, solo, bajo
un arco iris, acompañado por una mujer o en escenas preferentemente guerreras.
En las escenas pueden aparecer también aves y felinos o elementos europeos como
caballos o escudos de armas.
Otro tema
decorativo eran las plantas o flores acampanadas que cuelgan mirando hacia
abajo y motivos geométricos.
Además del
“quero” o “kero” inca, existía otro tipo de vaso ceremonial. Es el llamado
“pajcha”. Este vaso tenía un recipiente que a veces adoptaba la forma de un
animal, y un largo vástago por donde corre el líquido del recipiente hasta caer
al suelo.
Suelen tener
la misma decoración policromada que los keros y sus dimensiones eran un poco
más grandes, de unos 50 centímetros de largo.
Arquitectura Inca
Se denomina
arquitectura inca al estilo arquitectónico que estuvo vigente durante el
imperio inca, especialmente a partir del gobierno de Pachacutec Inca Yupanqui
hasta la conquista española (1438-1533).
La
arquitectura desarrollada en el incanato se caracteriza por la sencillez de sus
formas, su solidez, su simetría y por buscar que sus construcciones armonicen
el paisaje. A diferencia de sociedades costeñas como la chimú, los incas
utilizaron una decoración bastante sobria. El principal material utilizado fue
la piedra, en las construcciones más simples era colocada sin tallar, no así en
las más complejas e importantes. Los constructores incas desarrollaron técnicas
para levantar muros enormes, verdaderos mosaicos formados por bloques de piedra
tallada que encajaban perfectamente, sin que entre ellos pudiera pasar ni un
alfiler. Muchas veces esos bloques eran tan grandes que resulta difícil
imaginar su colocación, las mejores muestras de esta habilidad se encuentran en
la zona del Cuzco. Se sabe que los mejores talladores de piedra eran collas,
provenientes del Altiplano y que muchos de ellos fueron llevados al Cuzco para
servir al estado.
En un primer
momento, el expresionismo, el cubismo, y todas las vanguardias, tuvieron que
enfrentarse a un público hostil y reacio. Pero tras la primera mitad de siglo,
estos movimientos revolucionarios ganaron prestigio social y fueron admitidos
en las academias. Es lo que conocemos como el triunfo de la modernidad. A
partir de entonces, comenzó a considerarse la modernidad como un fenómeno
perteneciente al pasado y este sentimiento es lo que se ha llamado
Postmodernidad.
El
Postmodernismo es, por tanto, lo posterior a lo moderno. Se desarrolla en la
década de los 80, aunque venía gestándose desde los 70. Recoge detalles de
obras anteriores, recicla técnicas, ideologías y temáticas de otros
movimientos, pero todo ello, visto con una estética actual. Por ejemplo, un
pintor puede encontrar en los expresionistas alemanes una fuente de
inspiración, en el arte conceptual, o en el minimal art. En la postmodernidad
todo vale.
El Op art,
también conocido como optical art y como arte óptico, es un estilo de arte
visual que hace uso de ilusiones ópticas.
En las obras
de op art el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para
poder captar el efecto óptico completamente, por tanto se puede decir que no
existe ningún aspecto emocional en las obras. El op-art es un movimiento
pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. Los elementos
dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o sinuosas, los
contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos, los cambios de
forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras; también
utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o
círculos. Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de
artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un
sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el
ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin.
En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York.
En el op-art
se encuentran Victor Vasarely: Triond, Supernova, Yaacov Agam, con sus cuadros
en relieve, Doble metamorfosis III, Bridget Riley: Current, Jeffrey Steele: La
volta, Richard Anuszkiewicz: Iridiscencia, Michael Kidner: Azul, verde, violeta
y marrón. Otros artistas de este movimiento son Jesús-Rafael Soto, Carlos Cruz
Diez, Youri Messen-Jaschin, Julio Le Parc, Zanis Waldheims, Matilde Pérez,
Richard Anuszkiewicz, Kenneth Noland, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence
Poons, Richard Anuszkiewicz, Piero Dorazio, Omar Rayo, Eusebio Sempere, y
artistas de la nueva generación como, Karina Peisajovich, Fabián Burgos, Christian
Wloch y Abel Ventoso entre otros.
El arte pop
(Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se
caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los
medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos
culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop,
buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura
existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o
combinándolas con otras,1 además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún
elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
El arte pop y
el minimalismo son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por
lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a
considerar como los ejemplos más tempranos de éste.
Andrew
Warhol (agosto 6, 1928 hasta febrero 22, 1987), conocido como Andy Warhol, fue
un pintor, grabador y director de cine que fue una figura destacada en el
movimiento de arte visual conocido como el arte pop. Después de una exitosa
carrera como ilustrador comercial, Warhol se convirtió en mundialmente famoso
por su trabajo como pintor, cineasta de vanguardia, productor, escritor y
miembro de los círculos sociales muy diversos que incluyen la gente bohemia de
la calle, destacados intelectuales, celebridades de Hollywood y los ricos
clientes. Warhol ha sido objeto de numerosas exposiciones retrospectivas,
libros y películas y documentales. Él acuñó la expresión utilizada "15
minutos de fama." En su ciudad natal de Pittsburgh, Pensilvania, El Museo
Andy Warhol existe en la memoria de su vida y obras de arte. El precio más alto
jamás pagado por una pintura de Warhol es de $ 100 millones para un lienzo de
1963 titulado Ocho Elvis. La transacción privada se informó en un artículo de
2009 en The Economist, que se describe Warhol como el "barómetro del
mercado del arte". $ 100 millones es un precio de referencia que sólo
Jackson Pollock, Pablo Picasso, Vincent van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Gustav
Klimt y Willem de Kooning han logrado.
Hace
referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que
representara una ruptura con los estilos dominantes en la época, tanto los de
tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas
(realismo o impresionismo). En la estética nueva que se trató de crear
predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban
novedades derivadas de la revolución industrial, como el hierro y el cristal,
superando la pobre estética de la arquitectura del hierro de mediados del siglo
xix.
Las
características que en general permiten reconocer al modernismo son:
Inspiración
en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con
preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico
entrelazándose con el motivo central.
Uso
de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de los edificios
como en la decoración.
Tendencia
a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente su representación
estrictamente realista.
Uso
de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento
generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas
(drapeado).
Actitud
tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando hasta
el erotismo en algunos casos.
Libertad
en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración
en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas.
Aplicación
envolvente del motivo tomando alguna de las características anteriormente
mencionadas en contraposición con las características habituales del elemento a
decorar. El elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el
elemento que decora.
Cubismo
El cubismo
fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y
encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes,
Robert Delaunay y Juan Gris.1 Es una tendencia esencial, pues da pie al resto
de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de
la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El término
cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había
bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque
y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una
pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de
«cubismo». El cubismo literario es otra rama que se expresa con poesías cuya
estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, la rima es
opcional y ni tienen una métrica específica ni se organizan en versos.
Cuando hacíamos cubismo, no teníamos ninguna intención de
hacer cubismo, sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro. – Pablo Picasso
·El cubismo es
considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto
renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros
cubistas, desaparece la perspectiva tradicional.
·Trata las formas de
la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y
superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan
todas las partes de un objeto en un mismo plano.
·La representación del
mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde
un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso
aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por
ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz
está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y
su corte horizontal.
·Ya no existe un punto
de vista único.
· No hay sensación de profundidad. Los detalles
se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre
con los violines, insinuados solo por la presencia de la cola del mismo.
·A pesar de ser
pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se
encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.
·Se eliminan los
colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fovismo. En
lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y
marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente
se abrió más la paleta.
·El cuadro cobra
autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega
con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar
collages.
·La obra resultante es
de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello
explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis
por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso
escrito tan importante como la misma práctica artística.
De ahí en adelante, todos los
movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos.
Futurismo
El Futurismo
es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio
del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de
Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero
de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la
tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que
respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna
y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
La
característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del
movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones
de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y
sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos
artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más
tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para
desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del
movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las
posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación
de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del
reverso de la figura.
Surrealismo
El
Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto
Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de
posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano
para comprender al hombre en su totalidad.
Siendo
conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como
método de creación artística.
Para los
surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de
expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar
por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la
realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los
sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado,
aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis,
máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del
caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El
pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo
descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se
interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños
y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo
que significa que importaba más el asunto que la propia realización.
Los artífices del surrealismo
Observamos
dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o
Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro.
Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un
surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque
totalmente alejadas de la pintura tradicional.
El
dadaísmo es un movimiento cultural y artístico que surgió en 1916 en el Cabaret
Voltaire en Zúrich (Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los
primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió el rumano Tristan Tzara que
llegaría a ser el emblema del Dadaísmo. Una característica fundamental del
Dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. El
Dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias,
y especialmente artísticas, por burlarse del artista burgués y de su arte.1 Su
actividad se extiende a gran variedad de manifestaciones artísticas, desde la
poesía a la escultura pasando por la pintura o la música.2
Para
los miembros del Dadaísmo, este era un modus vivendi que hacían presente al
otro a través los gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a
través de la expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon
literario y artístico, el Dadaísmo crea una especie de antiarte moderno, es una
provocación abierta al orden establecido.
Expresionismo
El
expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del
siglo XX, que se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas,
literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera
manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la
aparición del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos
artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”.
Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo,
una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de
tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual. Surgido como
reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de
este movimiento de finales del siglo XIX los expresionistas defendían un arte
más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista –la
“expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la “impresión”–.
El
expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para
expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a
la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la
realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier
época y espacio geográfico.
Con
sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo
reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la
Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del
período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de
cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los
lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la
primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los
temas prohibidos. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación
emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios
plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al
mundo interior. industrializada, se ve alienado, aislado. Así, mediante la
distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado
más emotivo e interior.El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de
gran diversidad estilística: hay un expresionismo modernista (Munch), fauvista
(Rouault), cubista y futurista (Die Brücke), surrealista (Klee), abstracto
(Kandinski), etc. Aunque su mayor centro de difusión se dio en Alemania,
también se percibe en otros artistas europeos (Modigliani, Chagall, Soutine,
Permeke) y americanos (Orozco, Rivera, Siqueiros, Portinari arte, su distorsión
formal y su colorido intenso les hacen herederos directos de la primera
generación expresionista.
Fauvismo
El
fovismo, también conocido como fauvismo, en francés fauvisme, (1904-1908) fue
un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del
color. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en español, dado por el
crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón
de Otoño de París de 1905. El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y
su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la
utilización libre del color.
Características
·El
fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo
exaltando los contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a
trabajar con la teoría del color interpretando qué colores son primarios,
cuáles son secundarios y cuáles son complementarios.
Mediante este
planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producía
un mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática.
·Este
planteamiento, conocido como Modelo de color RYB, clasificaba los colores
como:
·Complementarios:
se entiende por color complementario de otro, el color primario que queda
frente a la mezcla de los otros dos: para el verde es el rojo, para el azul es
el naranja y para el amarillo es el violeta.
·En
esta búsqueda tan dirigida hacia el color se olvidan otros aspectos como el modelado,
el claroscuro o la perspectiva. La técnica pictórica fovista
emplea toques rápidos y vigorosos, trazos toscos y discontinuos, aunque se cree distorsión en
las figuras: se persigue dar una sensación de espontaneidad.
·Otra
característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento,
algo que anteriormente intentaron los pintores Nabis. Esto hace que
percibieran la naturaleza y lo que les rodea en función de sus sentimientos.
·El
dibujo será un aspecto secundario para estos artistas, sin embargo Matisse no
se olvidó de su importancia. También se destacaba la función decorativa y
se empleaban las líneas onduladas.
·Defendían
una actitud rebelde, un intento de transgresión de las normas con respecto a la
pintura. Buscaban en definitiva, algo diferente, que les hiciese avanzar en el
ámbito artístico.
·Con
respecto a los temas que pintaban existía gran variedad: algunos pintaron el
mundo rural y otros el ámbito urbano. Algunos realizaron desnudos e interiores,
mientras otros preferían la pintura al aire libre influidos por las costumbres
del impresionismo, otros mostraban la importancia de sentir la alegría de
vivir.
El
impresionismo, con su afán por captar la luz del natural, había ido disolviendo
las formas en su ambiente y todos los elementos del cuadro habían ido perdiendo
volumen, dibujo y sentido del espacio. En los últimos años del XIX y principios
del XX nos encontramos con unos pintores que partiendo del impresionismo,
derivan hacia una pintura personal que anuncian algunos de los movimientos
pictóricos más importantes del siglo XX. El postimpresionismo supone entre
otras cosas una recuperación de la importancia del dibujo y de la preocupación
por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las
personas iluminadas. su trascendencia para la evolución del arte es, si cabe,
mayor que la de los pintores impresionistas.
Algunas características generales, con
inclusión del pintor que mejor las representa:
-
Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los
objetos y figuras humanas.
-
Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso
impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente
estético.
-
Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos .
-
Empleo de colores contrastantes para distender y definir los planos y formas.
-
Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.
-
Utilización de colores puros con gran carga emotiva y modulada.
-
Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la
angustia y el desconsuelo interior.
-
Interés por lo exótico y los bajos
fondos .
-
Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las
masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos .
INFLUENCIAS
De los impresionistas, el gusto por los
contrastes de colores en Cézanne.- De Rubens, de los neo impresionistas y de la
estampa japonesa, el rico cromatismo, los colores puros y la cursividad
fluyente de las formas en V. Gogh- De las culturas exóticas de Oceanía, el
primitivismo en Gauguin.
El
Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S.
XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de
Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones
oficiales en el Salón parisino.
El
objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo
espontánea y directa.
El
Impresionismo parten del análisis de la realidad. Hasta ahora la pintura
reproducía un escenario en el que ocurría un acontecimiento que conformaba el
mensaje para el espectador. Ahora, se quiere que la obra reproduzca la
percepción visual del autor en un momento determinado, la luz y el color real
que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla. Se
centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en
la representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los
contornos. Ven colores que conforman cosas, y esto es lo que plasman, formas
compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y
de la intensidad de la luz. Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo
objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales, no les importa
el objeto, sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día.
Los
impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las
formas, empleando para ello los colores primarios (azul, rojo y amarillo) y los
complementarios (naranja, verde y violeta). Consiguieron ofrecer una ilusión de
la realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y
yuxtapuestas.
Las
figuras principales del movimiento fueron Eduard Manet, Degas, Claude Monet, Auguste
Renoir, Morisot, Pisarro y Sisley.
La
Hermandad Prerrafaelita (Pre-Raphaelite Brotherhood) fue una asociación de pintores,
poetas y críticos ingleses, fundada en 1848 en Londres por John Everett
Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt. La Hermandad duró como
grupo constituido apenas un lustro, pero su influencia se dejó sentir en la
pintura inglesa hasta entrado el siglo XX. Se utiliza el término prerrafaelismo
para caracterizar al movimiento pictórico que representan. Suele vincularse al
movimiento realista que simultáneamente se estaba desarrollando en Francia. El
término «prerrafaelita» ha de entenderse como derivación de «prerrafaelismo», y
no aplicarse al nombre del grupo de artistas original.
Los
objetivos de la Hermandad se resumían en cuatro declaraciones:
Expresar
ideas auténticas y sinceras;
Estudiar
con atención la Naturaleza, para aprender a expresar estas ideas;
Seleccionar
en el arte de épocas pasadas lo directo, serio y sincero, descartando todo lo
convencional, autocomplaciente y aprendido de memoria;
Buscaban la perfección en la creación de pinturas y
esculturas.
El Realismo
es un movimiento artístico y literario, originado en Francia a mitad del siglo
XIX (1840-1880), cuyo propósito consistió en la representación objetiva de la
realidad basándose en la observación de los aspectos cotidianos que brindaba la
vida en la época.
La aparición
y desarrollo del Realismo fue fruto de la agitada situación política que
protagonizó Francia a raíz del derrocamiento de la monarquía burguesa de Luis
Felipe y de la proclamación de la II República en 1848. Es a lo largo de esos
años cuando surgen los movimientos obreros y proletarios que se inspiran en
nuevos sentimientos sociales y en nuevas ideas políticas, cuya influencia
también se dejaría sentir en el mundo artístico.
La ideología del arte realista
Desde el
punto de vista ideológico, el realismo queda vinculado a las ideas socialistas
más o menos definidas. Aunque con claras diferencias entre los distintos
autores, en general se aprecia un interés por la situación de las clases más
desfavorecidas de la sociedad surgida de la Revolución Industrial. Algunos,
adoptan una actitud absolutamente comprometida con los intereses del
proletariado, participa en acontecimientos políticos del momento y hace un arte
combativo. Otros, mantienen una postura más moderada, y endulzan de alguna
forma su visión de la realidad.
Todos ellos
comparten una estética basada en la representación directa de la realidad. La
manera cómo se materializa este principio básico varía desde la crudeza
objetiva de Courbet hasta la simplificación gráfica de Daumier, pasando por el
filtro idealista de Mollet. En cualquier caso, todos comparten la radicalidad
de los temas: ante la trascendencia que conceden al tema romanticismo y
academicismo, el arte realista entiende que no hay temas banales y que, en
consecuencia, cualquier cuestión puede ser objeto de interés pictórico.
Este
planteamiento tiene una enorme importancia en un momento en el que la pintura
está sometida a reglas extraordinarias de la crítica oficial: los temas, las
actitudes, las composiciones y hasta las medidas de los cuadros tiene que
ajustarse a estos rígidos criterios. Ante esta situación, los pintores
realistas defienden una pintura sin argumento, una captación simple de la
realidad, en la cual lo fundamental es la forma en que se representa la imagen
y el sonido, y no su desarrollo narrativo.
Los artistas realistas
·Gustave
Courbet (1819-1877) es el pintor realista que mantiene un compromiso político
personal más firme. Como Delacroix, cree que la pintura es un instrumento muy
eficaz en la lucha para defender sus ideas. Sin embargo, Courbet se distancia
clarísimamente de sus predecesores en la forma de entender el arte. Courbet
rechaza la realidad que le rodea, pero, en vez de huir, lo que haces es mostrárnosla
en toda su crudeza para que compartamos con él los mismos sentimientos de
rechazo y, en consecuencia, reaccionemos en contra.
GUSTAVE COURBET
·Jean-François
Millet (1814-1875) es una de las figuras más discutidas del realismo francés.
Su pintura tiene un atractivo indudable que le ha hecho ganar el favor del
público. Sin embargo, críticos e historiadores le han acusado de traicionar el
verdadero espíritu realista poruq endulza en exceso la vida de los campesinos
–su gran tema- para hacerla aceptable al gusto burgués.
Jean-François Millet
·Honoré
Daumier (1808-1879) es otro de los grandes del arte realista. Era pintor,
escultor y caricaturista, y en todas sus facetas se mostraba como un observador
agudo de la realidad dispuesto a criticarla con dureza, aunque también con un
punto de ternura.
